Tiltshifting around

Taking photographies is definitely a great fun but with today’s digital technology we can go a lot further. Speaking of photo editing we’ve now hundreds of tools and platform to work on our images in order to make them look better, to emphasize them, to remove what we don’t like, add what we would like, and generally modify every part and value. This opportunity opens to an extremly wide range of options, techniques, philosopies. First of all i’ve to say i’m not a great fan of  vintage/old style/analogic fiction effect so speaking for myself i can say without any doubt that you’ll never see that kind instagram/lomo/polaroid/hipstamatic images. I’m more interested in all the tecniques that permit to use the great quality and technological level that digital photography has reached.  For example Hdr, Tilt shift, Photostitch, 3d and many more. I’m a novice so i’m testing every way doing tons of testing and obviously tons of mistakes. But practice makes perfect so the only way to learn something is doing it.

My target is to share something i’m learning with all of you reading this blog for a cultural and know-how exchange: maybe someone will appreciate this page and use my advices to have fun with its work and maybe i’ll find something interesting and useful in someone else pages.

In this first post about photo editing i want to show what i learned about Tilt shift  photography. Probably this name won’t ring you any bell but to cut a long story short we can consider it the way to give images some scale model/diorama look. Searching in the web you’ll find many many examples of it, personally i’m trying to apply this technique to race/automotive photography for a couple of reasons: the first is that obviously i made this blog about race and cars so it’s this stuff i want to talk about. The second is that almost nobody has done anything in this field

I think it’s a really good sector because during our childhood almost everyone has played with slot cars and many kids like me dreamed about huge scale tracks to run our scale models.

It’s not completely true to say that this is only a photo-editing method because if you want a good result you have to have a starting images that satisfies some requirements. Technically Tilt Shift in fact refers to specific objectives and lens that give you the opportunity to work on selective focus to produce miniature scene and particular depth of field. You can find proper objectives in almost from all the principal photography brands (Canon, Nikon, etc ) and produce this funny effect completely optically. But here we speak about how to obtain similar results only by postprocessing. That’s way we should call it “Miniature faking” that is exactly our target.

First of all we have to act like we’re in front of a small-scale model or diorama, thinking how we would see the scene, which objective we would use, which light we would have etc. Obviously, if we were in presence of a miniature scene, we would observe it by a realtively high point of view: that’s way we need an image taken from a 40/45 degrees angle. Choosing the correct image to start with is just more than half-way to success. There are different methods to obtain a fake miniature in Photoshop: if you search in Google there are many tutorials but i found that they’re all about one way which seems to be the fastest and the favourite. But i tested a slightly different way in order to have more control on the single parts of the photography ( the on-focus part and the blurred part ). The matter is this: to fool observators’ eyes the trick is use a correct balance beetween blurred and contrasted sectors.

The most used tecnique is to make a blur hue using quick mask editing ( Q button ): the procedure is quite simple. Once you’ve chosen the photo you’ve to go in quick mask editing and with the gradient tool decide which is the part that has to be blurred: usually the center of the image is the on focus sector while top and bottom need a gradual blur. To recreate this make a selection of the upper half, pick gradient tool, click a little above the center of the image and drag keeping shift button towards the top. Repeat this action on the loer part. After you’ve set the map you can go back to standard mode and you’ll find that there are two “walking ants” selected zones: these are the sides where we are about to act. Now go to filters/blur/lens blur: in the preview you should see the image with top and bottom blurred in the amount you want: the Radius scale goes from 0 to 100, it’s about to you, to your feel ad taste. The preview helps reaching the better results: to give you a tip, when the point in which the photo has been taken is lower or closer you should use a higher value, when it’s higher a lower value. But every photograph goes by itself. Now the first part is over, now we have to adjust colors, contrast and balances.

First of all go in adjustments-hue/saturation and add a +20 or more to saturation value:  colors of miniatures and scale models in fact are always a bit more vivid and false than real life. Then to add a final touch just go to adjustments-curves and move the curve till you reach a good contrast scheme: on small objects, under artificial lights, light and shadow are more evident so it’s necessary to increase these levels.

Once you’ve done this you should have obtained what you were looking for.

We have simplified the blurring map with a linear gradient but obviously in real life different objects with different dimension are situated on different visual plans so if in the image there are tall buildings or multi-level scenery it’s a good idea to modify the map in order to include or exclude objects from the blurred part.

This is a good and quick basic way to edit your photos, now i’m gonna report my personal method about miniature faking effect.

It’s a longer way but i like it because it allows me to control levels separately in order to reach the compromise i want. Contrasted part sits in one level and blurred one in another so i’m sure i can act on every part of the image. So, let’s begin. We start from an image that meets requirements we’ve listed before. First of all we need to give it more presence so go to filters-sharpen-smart sharpen: the value depends on image dimension and resolution, for a 12/15 megapixels photo a value beetween 3 and 5 should be correct. Anyway you can try different solutions till you find what satisfies your taste.  Then it’s time to duplicate the background level: this is the layer where we’ll aplly th blur. So, let’s go to filter- blur- lens blur: the value is up to you, usually i use a number beetween 50 and 70 but you can choose the best solutions watching the real-time preview. Now we have two layers: we need to eliminate the central part of the blurred image to uncover the lower one. Personally i use a quick mask editing but unlike previous method this time we’ve to color the parts that must remain in the image: so we’ve to make a hue from top do middle and from bottom to middle using Gradient tool. Then press Q and go back to standard mode and you should have one central selected zone that is the part which has to be removed: so click on erase tool or press canc and it’s done. The global aspect of the artwork is unfinished but should give us a right impression at this point. Now we have to operate on the first layer: let’s add some contrast: Image – Adjustments – Brightness/Contrast, mark the use legacy option and add a +15/+20 to contrast amount. If you want you can remove some brightness. Then it’s time to correct the color balance of the scene: we’ve to imagine that we’re not in a outdoor scene but in a artificial lightened ambient. So go to Adjustments – Color balance and correct midtones,lights and shadows giving the image some warm feel. It’s up to your taste but generally it’s better to go towards yellow and red colors. Now that balances are ok the photo need some saturation because like I told you before scale objects have brighter tones than real ones. Adjustments – Hue/Saturation and add +25/+30 to saturation scale. At this point the photo is almost finished but we still have some regulations and details to correct. If objects are not perfectly defined and enough fake, a good practice is to use the Burn tool to darken shadows and Dodge tool to light up clear zones. If some parts have to be saturated further use the Sponge tool on them. The final touch is to adapt the global setting of the second layer to the edited first one: so like we did before add some contrast (+30/+35 should be enough) and some saturation (from +25 to +35). So the work is finished: if we’ve done everything correctly we should have a good miniature faking shot to impress our friends. I remind you that these values are my suggestions but you’ve to check every step with the preview to get where you want.

I hope these tutorials could be useful for you, i’m always open to advices, observations, comments!

This video is a good help to get used in making this effect

Fotografare è senza dubbio un gran divertimento ma con le tecnologie digitali odierne possiamo andare molto oltre. Parlando di post produzione fotografica abbiamo ora centinaia di strumenti e piattaforme per lavorare sulle nostre immagini al fine di renderle migliori, enfatizzarle, filtrarle, rimuovere ciò che non vogliamo o aggiungere ciò che desideriamo ed in generale modificare ogni sezione e valore. Quest’opportunità apre un ventaglio estremamente ampio di opzioni, tecniche, folosofie. Per prima cosa voglio avvisarvi che non sono propriamente un appassionato degli effetti vintage/finto invecchiato/finto analogico per cui per quanto mi riguarda posso dirvi che non vedrete mai su questo blog quel tipo di immagini instagram/lomo/polaroid/himpstamatic. Sono più interessato a tutte quelle tecniche che permettono di sfruttare la grande qualità ed il livello tecnologico che la fotografia digitale ha raggiunto. Per esempio Hdr, Tilt Shift, Photostitch, 3d e molti altri. Sono un neofita per cui sto facendo centinaia di prove ed ovviamente centinaia di errori: ma la pratica rende perfetti per cui l’unico modo di imparare qualcosa è farlo.

Il mio obiettivo è di condividere le cose che sto imparando con voi che state leggendo per un puro scambio culturale e di conoscenze: magari qualcuno apprezzerà questa pagina e di divertirà a lavorare sulle sue immagini e magari troverò qualcosa di utile ed interessante nelle pagine di qualcun altro.

In questo primo post sul photediting voglio mostrarvi ciò che ho appreso a proposito della fotografia tilt-shift. Probabilmente questo nome non vi dirà nulla  ma per farla breve possiamo definirla la tecnica che consente di conferire alle immagini quella sensazione che siano foto di modellini in scala o plastici. Cercando nel web troverete numerosi esempi di questo stile, personalmente voglio provare ad applicare la tecnica alla fotografia di auto e corse per un paio di ragioni: primo perché ho creato questo blog proprio a proposito di auto e corse ed è di questo che voglio trattare. Secondo perché praticamente nessuno finora ha prodotto materiale in questo campo.

Ritengo sia un settore interessante perché durante la nostra infanzia quasi tutti abbiamo giocato con le macchinine e molti ragazzini come me sognavano enormi piste per i loro modelli.

Non è del tutto corretto dire che si tratta solamente di una tecnica di photoediting perchè se si vuole ottenere dei buoni risultati bisogna partire da delle immagini che vadano incontro a determinate indicazioni. Tecnicamente infatti il Tilt Shift si riferisce a degli speciali obiettivi e lenti che offrono la possibilità di lavorare su punti di messa a fuoco selettivi che danno origine a questo effetto di miniaturizzazione ed a una aprticolare profondità di campo. Si possono trovare appositi obiettivi e strumentazioni in tutti i principali marchi di produttori di apparecchi e materiali fotografici (Canon, Nikon, etc ) e produrre questo curioso effetto in maniera totalmente ottico/manuale. Nel nostro caso, non essendo dotati di suddetti strumenti e volendo esercitarci nell’emulazione attraverso tecniche digitali parleremo di come pttenere un risultato simile attraverso la post-produzione, E’ per questo che sarebbe più corretto chiamarla “Miniature faking”, letteralmente far finta, simulare un mondo in scala, che è precisamente la nostra meta.

Prima di tutto dobbiamo muoverci come se fossimo in presenza di un modello in scala o di un diorama, pensare come vedremmo la scena, quele obiettivo useremmo, che luce troveremmo etc. Ovviamente se fossimo in presenza di una scena in miniatura presumibilmente la osserveremmo da un punto di vista relativamente rialzato: per questo la cosa migliore sarebbe poter disporre di un’immagine presa a 40/45 gradi di angolo rispetto al piano. Scegliere l’immagine corretta da cui iniziare rappresenta più del 50 per cento del successo dell’operazione. Ci sono diversi modi per ottenere finti plastici in Photoshop: cercando su Google ci sono numerosi tutorials ma ho riscontrato che presentano praticamente tutti un solo metodo che sembra essere il preferito ed il più veloce. Io ho testato un mettodo leggermente differente al fine di avere maggiore controllo sulle singole parti della fotografia ( la parte a fuoco e la parte sfocata). La questione è la seguente: per ingannare gli occhi degli osservatori il trucco è usare un corretto bilanciamento tra parti sfocate e contrastate.

La tecnica più diffusa è quella di creare una sfumatura di sfocatura utilizzando un editing attraverso maschera veloce ( tasto Q ): la procedura è piuttosto semplice. Una volta scelta la vostra foto andate in modalità maschera veloce e con lo strumento sfumatura stabilite quale parte verrà sfocata: solitamente il centro dell’immagine è il settore con la corretta messa a fuoco mentre la parte superiore ed inferiore gradualmente vengono sfocate. Per ricreare tutto ciò fate una selezione della metà superiore della foto, prendete lo strumento sfumatura, cliccate poco sopra il bordo inferiore della selezione e tenete premuto con il tasto shift in direzione del bordo superiore. Ripetete la procedura per la parte inferiore. Dopo aver definito la mappa potete tornare alla modalità di lavoro standard e troverete due aree di selezione nei bordi inferiore e superiore: questi sono i lati dove andremo ad intervenire. Ora andate su filtri – sfocatura – Sfocatura lente: Nell’anteprima dovreste vedere l’immagine con la parte superiore ed inferiore sfocate in base al valore che volete: la scala del raggio va da 0 a 100, sta a voi, al vostro gusto ed alle vostre sensazioni. L’anteprima aiuta a raggiungere il miglior compromesso: per darvi un consiglio, quando il punto da cui è stata scattata la foto è più basso o più vicino convinee usar eun valore più alto, quando è preso più dall’alto un valore minore, Ma ogni fotografia fa storia a sé. Ora la prima parte è conclusa, dobbiamo quindi sistemare colori, contrasto e bilanciamenti.

Per prima cosa  andiamo nella tendina regolazioni – tonalità/saturazione e aggiungiamo almeno un +20 al valore della saturazione: per quanto veritieri infatti i colori delle miniature e dei modelli in scala sono sempre un pochino più brillanti e falsi che nella realtà. Poi per dare un tocco finale andiamo in regolazioni – curve e muoviamo la curva nella parte superiore fino a raggiunger eun buon schema di contrasto: sugli oggetti in miniatura, sotto luci artificiali, luci ed ombre sono più evidenti per cui è necessario incrementare questi livelli.  

Fatto questo dovreste aver ottenuto quello che desideravate.

Noi abbiamo semplificato la mappa di sfocatura con un gradiente lineare ma ovviamente nella vita reale oggetti di differenti dimensioni sono situati su piani visivi differenti per cui se nella fotografia compaiono edifici molto alti o scenari multi-livello è buona norma modificar ela mappa al fine di includere o escludere determinati oggetti dalla sfocatura.

Questo è un modo semplice e veloce per editare le vostre foto, ora riporto il mio metodo (abbastanza affine) per ottenere l’effetto del “miniature faking”.

E’ una strada leggermente più lunga perchè consente di controllare separatamente I livelli al fine di raggiungere il compromesso che si desidera. La parte contrastata sta su un livello e quella sfocata in un altro così sono sicuro di poter agire al meglio su ogni singola parte dell’immagine. Allora cominciamo. Si parte dall’immagine che soddisfi i requisiti che abbiamo elencato poco fa. Per prima cosa dobbiamo dare un po’ più di presenza alla foto per cui andate su filtri – contrasta – maschera di contrasto: il valore dipende dalla risoluzione dalla dimensione dell’immagine, per una foto da 12/15 megapixel un valore del raggio tra 3 e 5 dovrebbe essere corretto. In ogni caso potete testare differenti soluzioni fino a quando non trovate ciò che soddisfa i vostri gusti. Ora è il momento di duplicare il livello di sfondo: questo sarà il livello su cui applicheremo la sfumatura. Quindi andiamo su filtri – sfocatura – sfocatura lente: Il valore sta a voi, di solito uso una cifra tra 50 e 60 ma potete scegliere la vostra misura basandovi sull’anteprima in tempo reale. In questo momento abbiamo due livelli: dobbiamo eliminare la parte della sfocatura che non vogliamo per scoprire i livello contrastato sottostante. Personalmente uso una maschera veloce ma diversamente dal metodo precedente  questa volta dobbiamo colorare le parti che devono rimanere: così una volta in modalità maschera veloce dobbiamo fare due sfumature, una partendo dal basso verso il centro ed una dall’alto verso il centro usando lo strumento sfumatura. Quindi si preme il tasto Q e si torna alla modalità normale e dovremmo avere una selezione della parte da rimuovere: premiamo il tasto erase o direttamente il canc da tastiera ed il gioco è fatto. . L’aspetto generale del lavoro è incompleto ma dovrebbe iniziare a dare la giusta impressione a questo punto. Ora dobbiamo agire sul primo livello: aggiungiamo un po’ di contrasto: Regolazioni – Luminosità/contrasto, barrate l’opzioni use legacy e aggiungete un +15/+20 al valore del contrasto. Volendo si può togliere un po’ di luminosità. Dopo di che è la volta della correzione del bilanciamento dei colori della scena: dobbiamo immaginare di non essere all’aria aperta bensì in un ambiente illuminato artificialmente.

Di conseguenza è necessario andare su Regolazioni – Bilanciamento colore e correggere mezzitoni, luci ed ombre per aggiunge eun po’ di calore. E’ a vostro piacimento ma solitamente è meglio virare leggermente sul giallo e il rosso. Ora che i bilanciamenti sono a posto bisogna sistemare la saturazione poiché, come ho detto poc’anzi, gli oggetti in scala hanno toni più vividi di quelli reali. Regolazioni – Tonalità/saturazione e aggiungere +25/+30 alla scala della saturazione. A questo punto la foto è praticamente pronta ma abbiamo ancora qualche correzione e qualche dettaglio da sistemare. Nel caso gli oggetti non siano ancora sufficientemente definiti e/o “finti”, un buon consiglio è quello di usare lo strumento Brucia per scurire le ombre e lo Schiarisci per dare più brillantezza alle parti in luce. Se alcune parti non risultano abbastanza sature si può ovviare usando lo strumento Spugna su di esse. Il tocco finale è quello di adattare i settaggi del secondo livello a quelli del livello sottostante appena editato: per cui come abbiamo fatto prima aggiungiamo un po’ di contrasto (+30/+35 dovrebbe bastare) e un po’ di saturazione (da +25 a +35). Ora il lavoro è davvero finito: se abbiamo fatto tutto correttamente dovremmo avere un buon scatto “miniature faking” per impressionare ei nostri amici. Sottolineo ancora che i valori proposti sono solo suggerimenti ma è conveniente controllare ogni passo con le anteprime per raggiungere l’obiettivo che vi siete prefissati.

Questo video è una buon aiuto nel diventare abili ad utilizzare questa tecnica


9 responses

  1. This is a really cool effect!

    Rob

    September 1, 2011 at 11:33 am

    • thanks, and it’s a lot of fun to make it!

      September 1, 2011 at 3:37 pm

  2. i think that racing is one of the best subject to apply tiltshift!

    You should get a TS Lens!

    September 1, 2011 at 11:33 am

    • i hope to get one next year, can’t wait!

      September 1, 2011 at 3:32 pm

    • now that i know how to get images to make this effect i’ll try to grab some proper shot to make something cool! stay tuned!

      September 1, 2011 at 3:33 pm

  3. Rob

    I really, really like the results you’ve gotten here. A good tilt-shift image needs a good subject but above all vibrant colours, and you have that here. Good work!

    September 1, 2011 at 12:55 pm

    • thanks, i’ve done tons of testing but i think i can improve my skill to get better images. i’ll keep on exercise!

      September 1, 2011 at 3:35 pm

  4. Fra

    Complimenti, bel post. Grazie per le spieghe e ottimi lavori.

    September 1, 2011 at 3:38 pm

    • così ora hai tutti gli strumenti per iniziare a cimentarti e farmi mangiare la polvere!

      September 1, 2011 at 3:39 pm

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